Artis-Artis Sastra Terbesar Pada Saat Ini – Apa pun perbedaan individual mereka, secara kolektif beberapa seniman ini menunjukkan bahwa di zaman kita sekarang ini masih ada para tokoh sastrawan hebat yang terus berkarya dengan berbagai hasil tulisannya.
Hasil karya dari para sastrawan tersebut pun populer di seluruh dunia. ceme online
Berikut ini daftar beberapa seniman sastra terbesar. bandar ceme
1. Aharon Appelfeld
(Romania [Ukraina], 1932; novelis)
Aharon Appelfeld termasuk di antara kelompok penulis terpilih yang tersentuh secara pribadi oleh Holocaust, yang selamat, dan yang kemudian membuat literatur dengan urutan tertinggi dari pengalaman. Ini membuatnya menjadi rekan penulis terkenal seperti penyair berbahasa Jerman Paul Celan, penulis memoar dan penulis esai bahasa Italia Primo Levi, dan pemenang Hadiah Nobel, novelis bahasa Hungaria Imre Kertesz (ada banyak penulis lain). agen bola
Appelfeld, seperti Celan, lahir pada masa ketika wilayah Bukovina di Rumania (sekarang menjadi bagian dari Ukraina). Kota kecil tempat ia dilahirkan berpindah tangan beberapa kali. Ketika orang-orang Romawi (yang bersekutu dengan Jerman) merebut kembali kota itu dari Tentara Merah Soviet pada tahun 1941 (Appelfeld berusia sembilan tahun), ibunya dibunuh di tempat dan dia dan ayahnya dikirim ke sebuah kamp, dari mana bocah lelaki itu berhasil melarikan diri. Setelah bersembunyi di hutan dan desa setempat selama tiga tahun, ia terhubung dengan Tentara Merah sekali lagi dan diambil sebagai koki. Pada akhir perang, ia mendapati dirinya berada di sebuah kamp di Italia untuk para pengungsi. Pada tahun 1946 ia berhasil mencapai Palestina. Di sana ia akhirnya bersatu kembali dengan ayahnya dalam apa yang ia gambarkan sebagai pengalaman paling emosional dalam hidupnya, dan pengalaman yang belum pernah ia tulis. https://www.mustangcontracting.com/
Pemuda berusia 14 tahun itu menggunakan dirinya untuk belajar bahasa Ibrani, bahasa yang digunakannya untuk menulis banyak novel dan cerpennya.
Jika satu hal dapat dikatakan untuk membedakan Appelfeld dari beberapa rekannya yang lebih terkenal, itu adalah kemampuannya untuk menulis tentang Holocaust dari sudut pandang yang lebih objektif, dalam semangat detasemen yang lebih besar. Dengan ini, kita tidak bermaksud bahwa protagonis dari cerita dan novelnya tidak simpatik, atau bahwa nasib mereka tidak menggerakkan kita. Justru sebaliknya! Sebaliknya, yang dimaksudkan adalah bahwa kita tidak mengalami karakternya sebagai perwujudan pengalaman pribadi Appelfeld sendiri. Dia selalu menjaga jarak antara karakternya dan ceritanya sendiri. Dengan demikian, buku-bukunya tidak memiliki nuansa otobiografi dari sebuah novel seperti Imre Kertesz 1995 Fatelessness, sehebat buku itu.
Jarak emosional yang lebih besar ini memungkinkan pembaca untuk mengalami karakter-karakter Appelfeld dan kisah-kisah mereka dengan cara artistik yang lebih konvensional karenanya tidak terlalu bermoralisasi yang cenderung paradoks untuk meningkatkan kekuatan estetika buku-bukunya. Setidaknya, itu memberi mereka perasaan terbuka untuk kritik sesuai dengan kriteria artistik yang biasa, dan tidak dibebaskan dari kritik tersebut berdasarkan saksi pribadi yang melampaui semua penilaian estetika. Mungkin lebih dari rekan-rekannya, Appelfeld telah berbohong kepada Theodor Adorno kecaman puisi yang terkenal dan dengan implikasi, semua seni setelah Auschwitz sebagai biadab. Penolakan Appelfeld diam-diam terhadap ide ini juga berhubungan dengan perasaan bahwa novelnya memberikan bahwa untuk membiarkan jiwa manusia dikalahkan sepenuhnya oleh dahsyatnya Holocaust adalah untuk memberikan Nazi kemenangan anumerta (Celan dan Levi keduanya diduga telah meninggal oleh tangan mereka sendiri). Bagi Appelfeld, menyerah pada keputusasaan sama sekali tidak diizinkan.
Akibatnya, proyek artistik Appelfeld telah menjadi salah satu kenangan, atau, lebih tepatnya, pelestarian dunia Yahudi Eropa-Tengah yang lenyap dari sebelum, selama, dan segera setelah Perang Dunia Kedua. Meskipun ia telah menjalani seluruh kehidupan dewasanya di Israel, Appelfeld menulis hampir secara eksklusif tentang tanah dan orang-orang di tahun-tahun pertamanya. Melalui seni narasinya yang sangat halus, dunia ini hidup kembali dalam kesadaran banyak pembacanya.
Appelfeld membuat tandanya dengan novel pertamanya, Badenheim 1939, yang diterbitkan pada tahun 1978. Ini adalah sebuah mahakarya, yang menurut sebagian orang tetap merupakan karya terbesarnya. Ini bercerita tentang sekelompok teman dan kenalan yang berkumpul di kota resor yang modis pada malam perang. Malapetaka yang akan datang yang kita tahu siap untuk mereka, tetapi yang hanya mereka sadari secara bertahap, diintimidasi dalam banyak cara, kecil dan besar. Sebagian besar karakter gentar sampai terlambat. Namun, jauh dari mengundang pembaca untuk mengutuk pria dan wanita ini karena tidak meramalkan dan menolak nasib mereka, buku ini memaksa kita pada kesadaran yang menakjubkan bahwa kita, juga, dalam posisi mereka, kemungkinan besar akan sama buta seperti mereka. Badenheim 1939 adalah novel yang hebat dan menghancurkan yang tidak akan Anda lupakan.
Jangkauan sosial Appelfeld juga sangat bagus. Dia sama-sama di rumah menggambarkan kaum muda dan tua, rakyat desa dan rakyat kota, petani dan buruh, bangsawan, dan borjuasi. Bahkan ada karakter non-Yahudi yang tak terlupakan yang tersebar di sana-sini di antara yang Yahudi (mis., Katerina dalam novel dengan nama yang sama, lihat di bawah). Singkatnya, simpati imajinatif Appelfeld meluas ke setiap sudut dunia yang telah ia pilih untuk membuatnya sendiri.
2. Peter Handke
(Jerman [Austria], 1942; dramawan, novelis)
Peter Handke adalah tokoh kontroversial di negara asalnya, Austria, dan memang melintasi bidang budaya berbahasa Jerman dan bahkan Eropa secara keseluruhan. Alasannya politis: Mungkin karena sejarah keluarganya sendiri (ibunya adalah orang Slovenia), ia secara terbuka membela orang-orang Serbia, yang praktis seluruh dunia telah difitnah sebagai penjahat utama dalam perang saudara Yugoslavia yang mengerikan pada tahun 1990-an. Bukan tempat untuk mengambil sikap terhadap masalah yang sangat berat dan rumit di sini. Alasan untuk menempatkan Handke dalam daftar ini sama sekali berbeda, dia adalah salah satu stylist terhebat, dan seniman sastra paling mengharukan, dari generasinya.
Handke yang sama-sama betah sebagai novelis, penulis naskah drama, penyair, dan penulis esai pertama kali membuat tandanya dengan sebuah drama, Offending the Audience (1966), yang merobohkan “tembok keempat” dari panggung dan terutama terdiri dari pemerasan aktor dengan mendiskusikan penampilan, berspekulasi tentang kehidupan cinta, dll dari anggota tertentu dari penonton. Terjadi peningkatan tingkat penghinaan secara bertahap sampai pada akhirnya, benda-benda fisik dilemparkan ke arah penonton, beberapa di antaranya anggotanya akan melemparkannya kembali ke aktor di atas panggung. Dari waktu ke waktu, produksi Offending the Audience berakhir dengan perkelahian nyata yang dianggap menyenangkan Handke, yang bukan siapa-siapa jika bukan enfant dahsyat.
Tetapi jika dia tetap menjadi enfant selamanya, tentu saja, Handke harus menarik bagi kita di sini. Tetapi karyanya pada akhirnya akan berkembang dengan cara yang jauh lebih konvensional, yaitu, ia akan mengubah dirinya menjadi seorang penulis otentik, dengan visi dunia yang nyata untuk berkomunikasi dan keterampilan yang dapat digunakan untuk melakukannya.
Prestasi penting Handke berikutnya adalah novel klasik kecemasan eksistensial pasca-perang, The Goaliee’s Anxiety at the Penalty Kick (1970). Handke juga menulis skenario untuk versi film tahun 1972 oleh Wim Wenders.
Namun, reputasi Handke dan klaimnya atas tempat di daftar ini terutama terletak pada serangkaian cerita pendek dan novel yang sangat terasa dan sangat mendalam yang ia terbitkan dengan cepat di awal tahun 1970-an, termasuk Short Letter, Long Perpisahan (1972), A Sorrow Beyond Dreams (1972), dan A Moment of True Feeling (1975). Karya-karya ini, yang menarik sebagian besar pada hidupnya sendiri (terutama A Sorrow Beyond Dreams, yang didasarkan pada kehidupan ibunya), menjadikan Handke sebagai salah satu pengrajin sastra terbaik dari karyanya atau yang lainnya generasi.
3. Kazuo Ishiguro
(Jepang, 1954; novelis)
Ishiguro memenangkan Hadiah Nobel dalam Sastra 5 Oktober 2017.
Meskipun ia dibawa ke Inggris pada usia lima tahun dan menulis buku-bukunya secara langsung dalam bahasa Inggris, Kazuo Ishiguro dalam banyak hal adalah seorang penulis dengan lebih banyak kepekaan Jepang daripada bahasa Inggris. Dia memiliki hubungan yang hampir sama dengan tradisi besar novel Jepang klasik — seperti yang diwakili oleh Yasunari Kawabata, Junichiro Tanizaki, Mori Ogai, Naoya Shiga, dan, di atas semua itu, Natsume Soseki — bahwa Hirokazu Kore-eda berdiri sehubungan dengan tradisi besar sinema seni Jepang (lihat entri di Kore-eda, di atas). Dengan kata lain, Ishiguro secara sadar membentuk kisah-kisahnya yang indah tentang persepsi yang semakin tinggi, melankolis, kehilangan, dan penindasan terhadap leluhur kesastraannya, pada saat sebagian besar rekan sezamannya (mis. Kenzaburo Oe, Haruki Murakami, Banana Yoshimoto) telah membalikkan punggung mereka pada tradisi itu, menulis dengan gaya baru yang diimpor dari Eropa dan Amerika Serikat selama periode pasca perang.
Sebagai seorang pemuda, Ishiguro tertarik pada rock and roll dan jazz, dan mengirim kaset demo ke perusahaan rekaman selama setahun yang dihabiskan bepergian melalui AS dan Kanada setelah menyelesaikan kuliah di Inggris. Dia terus menulis lirik untuk pemain jazz dari waktu ke waktu. Namun, ia akhirnya memutuskan untuk melanjutkan ke sekolah pascasarjana, dan memasuki program terkemuka dalam penulisan kreatif di Universitas East Anglia (tempat W.G. Sebald mengajar selama bertahun-tahun), di mana ia menerima gelar master pada tahun 1980.
Bahasa Jepang adalah bahasa rumahnya ketika tumbuh dewasa, tetapi ternyata Ishiguro tidak pernah menerima pelatihan yang tepat dalam bahasa yang sulit ditulis, dan tidak membaca atau menulis bahasa dengan lancar. Oleh karena itu, tidak dapat dihindari bahwa dua novel pertamanya A Pale View of Hills (1982) dan An Artist of the Floating World (1986) meskipun ditulis pada tema Jepang dengan cara Jepang sadar diri, akan disusun langsung dalam bahasa Inggris. Kedua buku itu membuatnya diperhatikan, tetapi tidak mengejutkan dunia, dianggap mungkin bukan ikan (Jepang) atau unggas (Inggris).
Kemudian, Inshiguro memiliki ide yang terinspirasi untuk menulis novel Jepang, tidak hanya secara langsung dalam bahasa Inggris, tetapi tentang Inggris. Hasilnya adalah The Remains of the Day (1989) yang luhur dan dahsyat, yang memenangkan Hadiah Booker, dan menjadikan Ishiguro menjadi bintang cakrawala sastra internasional. Ceritanya sederhana: Seorang kepala pelayan di rumah bangsawan Inggris sebelum perang perlahan-lahan sampai pada kesadaran yang tidak menyenangkan tentang tuannya. Segalanya ada di dalam penceritaan, dalam pilihan perincian wahyu dari kondisi batin dan jiwa kepala pelayan. Dalam hal ini, novel ini sebagian besar cocok dengan nyaman dalam tradisi Jepang, tetapi mungkin alasan mengapa konsep ini bekerja sangat baik dalam hubungannya dengan sesuatu yang serupa dalam karakter bahasa Inggris tradisional kelas atas, juga rasa bentuk dan hierarki, selera untuk meremehkan, ketabahan. Apa pun alasannya, novel ini bekerja dengan cemerlang sebagai cara untuk mendapatkan stereotip stereotip di Lantai Atas, Bawah, atau Downton, dan mengungkap kedalaman psikologis dan bahkan metafisik yang berada di bawah kategori kepala pelayan sosial-politik.
Setelah kesuksesan besar yang luar biasa dari The Remains of the Day, Ishiguro menyerang ke arah yang berbeda. Novel berikutnya, The Unconsoled (1995), sangat berbeda dengan apa yang telah ia tulis sebelumnya. Penulis telah menulis bahwa, selain tradisi Jepang, ia juga sangat dipengaruhi oleh sastra Prancis, terutama oleh Marcel Proust dan Albert Cohen. Dan, memang, meskipun The Unconsoled mungkin menyerang sebagian besar pembaca sebagai keturunan dari The Castle Kafka, dipikirkan bahwa buku ini jauh lebih dekat dengan karya Cohen 1968, Belle du Seigneur.
Melayang-layang di antara arus kesadaran dan narasi tidak langsung bebas orang ketiga, secara bergantian liris dan komik, mengejek epik dan tragis, Belle du Seigneur jelas merupakan salah satu novel terbesar, jika paling tidak dihargai, pada paruh kedua abad kedua puluh. Tidak dikatakan bahwa The Unconsoled berada di kelas yang sama dengannya, hanya saja novel Ishiguro diliputi oleh semangat yang sama dalam perhatiannya pada hal-hal kecil fisik kehidupan sehari-hari dalam waktu dan tempat yang terbatas. Apakah The Unconsoled sepenuhnya berhasil bahkan dengan persyaratannya sendiri sulit untuk dikatakan mungkin memerlukan beberapa bacaan untuk apresiasi penuh. Tetapi jika itu sebuah kegagalan, itu tentu saja adalah yang mulia.
Novel Ishiguro berikutnya, When We Were Orphans (2000), adalah upaya untuk memperluas kepekaan Jepang dan Cohenian ke genre fiksi detektif. Tetapi ada ketidaksesuaian mendasar antara pose eksistensialis dari genre detektif — apa karakter Simenon jika bukan karakter Camus dengan pistol? dan estetika dari penguasa Jepang atau kepekaan Rabelaisian yang menegaskan kehidupan dari sebuah Albert Cohen. Tentunya kurangnya kesesuaian antara konvensi genre detektif dan sarana artistik yang dibawa Ishiguro, yang merupakan penyebab kegagalan buku yang diakui secara universal.
Kembalinya Ishiguro datang dengan Never Let Me Go (2005), sebuah kisah yang tampaknya sederhana tentang sekelompok teman muda yang tumbuh dewasa di lingkungan sekolah asrama tradisional Inggris tetapi sebuah cerita dengan sengatan sengit di ekornya. Akan menjadi kriminal bagi kita untuk mengungkapkan sengatannya di sini, jadi cukuplah untuk mengatakan bahwa baris demi baris buku itu ditulis dengan indah, halaman demi halaman adegannya sama-sama digabung dengan halus, sama seperti upaya Ishiguro sebelumnya. Sekali lagi, kita menemukan diri kita berada di tangan seorang master.
Meskipun, seperti When We Were Orphans, Never Let Me Go adalah buku bergenre lain, genre yang dimilikinya fiksi ilmiah jauh lebih elastis daripada fiksi detektif dari sudut pandang gaya. Dengan demikian, Never Let Me Go lebih mampu mengakomodasi kepekaan khusus Ishiguro dalam batas genre. Novel penulis terbaru, The Buried Giant (2015), adalah latihan genre yang lain, dalam hal ini romansa sejarah. Ishiguro telah menyatakan bahwa buku yang diatur di Inggris pada zaman Arthurian, yang dikatakan setelah pemerintahan Romawi dan pada hari-hari awal Kristenisasi secara longgar diilhami oleh romansa Inggris Tengah abad keempat belas, bahasa Inggris Tengah. , Sir Gawain dan Ksatria Hijau. Tentu saja ada juga gema Romansa John Cowper Powys 1932 A Glastonbury (Powys dalam beberapa hal adalah pelopor bahasa Inggris dari Albert Cohen) yang tidak mengatakan bahwa Ishiguro belum berhasil membuat ulang genre dalam gambar estetika sendiri, karena dia punya.
Buku ini sangat berbeda dari karya Ishiguro sebelumnya dalam hal penting lainnya. Di sini unsur-unsur tematik narasi utama tidak difokuskan pada hubungan antara individu dan masyarakat, tetapi lebih pada perubahan karakter masyarakat itu sendiri. Lebih khusus, novel ini tentang kehilangan dan pemulihan memori dalam dunia sosial yang telah mengalami guncangan traumatis sejarah. Penerimaan kritis dari The Buried Giant telah beragam.